Yes — Diskographie
Prog Rock · England · 1968–1980
Yes [1969]
Nach dem, was ich in der Einleitung geschrieben habe, haben Sie wahrscheinlich gedacht, dass das allererste Yes-Album – wie In The Court Of The Crimson King – ein herausragendes Ereignis in der Welt des Prog-Rock war? Wenn ja, dann lagen Sie falsch. Natürlich sind auf Yes bereits Echos des Stils zu hören, der die Band drei Jahre später berühmt machen sollte, doch nichts deutet bisher auf etwas so Großartiges wie Close To The Edge hin. Außerdem lässt sich das kaum einmal als Progressive Rock bezeichnen. Können Sie sich ein Yes-Album vorstellen, auf dem kein einziger Titel länger als sieben Minuten ist?!
Mit anderen Worten: Yes ist ein recht einfaches Album (gemessen an Prog-Rock-Maßstäben). Diese Schlichtheit ist jedoch nicht von der Art, die schlimmer als Diebstahl wäre, denn fast alle Songs auf diesem Album sind wirklich sehr gut. Der Opener Beyond And Before, mit seinem ungewöhnlichen Intro und den schweren Bassriffs von Chris Squire, packt den Hörer von den ersten Sekunden an. Darauf folgt I See You – eine Coverversion des gleichnamigen Byrds-Songs, in einem ungewöhnlichen, aber bezaubernden Jazzstil gespielt (großteils dank Gitarrist Peter Banks). Auf der Platte findet sich noch ein weiteres Cover – diesmal wurde Every Little Thing vom Beatles-Album Beatles For Sale neu interpretiert. Im Original war es eine schlichte, aber charmante Popmelodie; Yes verwandelten es in ein völlig fantastisches, wirklich progressives Werk mit jazzigen Improvisationseinschüben und brillantem Schlagzeugspiel von Bill Bruford. Eine weitere Hommage an Jon Andersons Verehrung für die Liverpooler Vier ist die wunderschöne Ballade Yesterday And Today. Verdammt, sie klingt, als hätte McCartney sie selbst geschrieben! Auch Keyboarder Tony Kaye steht seinen Mitmusikern in nichts nach und zeigt in Looking Around sein ganzes Können – einem Song, der fast ausschließlich auf seinen Orgelläufen aufbaut. Der beste Moment dieses Stücks ist der Dialog zwischen Orgel und Gitarre in der Mitte. Sweetness – ein weiterer bezaubernder Liebessong – füllt den Hörer einfach bis zum Rand. Und – glauben Sie es oder nicht – Andersons Stimme klingt hier wahrhaftig emotional, ich schwöre es!
Das Album schließt mit einer laaaaangen Komposition namens Survival, die insgesamt dem späteren Werk von Yes ähnelt, aber technisch weniger ausgereift, weniger interessant und abwechslungsreich ist. Ich mag diesen Song nicht, ebenso wenig wie die pseudo-mittelalterliche Ballade Harold Land – sowohl Genesis als auch Gentle Giant waren bei der Erzeugung mittelalterlicher Stimmung weit erfolgreicher.
Zusammenfassend lässt sich sagen: ein glänzendes Debüt, das – wie bei Jethro Tull – dem späteren Werk der Band völlig unähnlich ist (mit Ausnahme vielleicht von Time And A Word).
Time And A Word [1970]
Das zweite Yes-Album mit dem Titel Time And A Word erschien 1970. Unter allen Platten der Band nimmt es aus zwei Gründen eine Sonderstellung ein: Erstens war es das letzte „normale" Yes-Album – normal in dem Sinne, dass es aus Liedern normaler Länge besteht, von denen keines die Sieben-Minuten-Marke überschreitet; und zweitens ist es ihr erstes und letztes Album mit einem echten Orchester.
Einer der beiden Hauptkritikpunkte an Time And A Word ist eben, dass die üppigen Arrangements mit ihrer Fülle an Streichern hier völlig fehl am Platz sind. Sie wirken nicht wie ein organischer Teil der Kompositionen – sie klingen so, als hätte der Produzent im letzten Moment entschieden, dass der Yes-Musik Pomp fehle, und das nächstbeste Orchester eingeladen, dieses bedauerliche Versäumnis zu beheben.
Selbst mit diesen lächerlichen Orchesterarrangements wäre das Album noch akzeptabel gewesen, wenn da nicht noch ein weiteres „Aber" wäre: Die Songs selbst – ihre Struktur, Melodien, vokalen Harmonien – sind größtenteils deutlich schwächer als auf der Debütplatte. Besonders auffällig ist das bei dem langen Stück The Prophet, mit seinem Orgelintro, das schmerzhaft an The Knife vom Trespass-Album einer bekannten Band erinnert, und einem völlig unauffälligen Hauptteil. Auch Astral Traveller unterhält den Hörer kaum: Das Intro klingt fesselnd, hauptsächlich dank Peter Banks' Gitarre und Chris Squires Bass, aber dann beginnt Jon Anderson durch irgendein elektronisches Effektgerät zu singen, das seine Stimme furchtbar klingen lässt; zudem ist in der Mitte des Songs ein primitives Keyboardsolo eingefügt, das endlos drei oder vier Noten wiederholt und mich jedes Mal veranlasst, sofort zum nächsten Stück zu springen. Clear Days darf man getrost als Missgriff bezeichnen – ich würde es gerne als hilflosen Versuch beschreiben, Gentle Giants „dissonante" Manier nachzuahmen, wenn deren Debütalbum nicht fast zeitgleich mit Time And A Word erschienen wäre. Wie dem auch sei, Gentle Giant gelang Derartiges weit besser.
Die übrigen Songs sind dennoch nach wie vor recht gut. Das gilt vor allem für das Titelstück – eine wahre Hymne auf Freude und gute Laune. Sein Refrain ist schlicht wunderbar, und die Melodie so charmant, dass selbst ein nicht sehr gutes Arrangement diesen Charme nicht zerstören kann. Auch der Song Then ist solide – er ist das einzige Stück auf der Platte, dem die Orchestrierung wirklich zugutekam (besonders gefallen mir die Geigenreplik ganz am Anfang).
Wie das erste Album enthält Time And A Word zwei Coverversionen. Die erste – No Opportunity Necessary, No Experience Needed – ist eine Neuinterpretation eines Songs von Richie Havens. Im Original war es nichts Besonderes, doch Yes verwandelten es in ein echtes Prog-Rock-Fest: Ein brillantes Orgelintro fesselt sofort die Aufmerksamkeit, dann übernimmt ein Streichquartett die Melodie, das im oberen Register zu schweben scheint, während der Bass im unteren Bereich eine vorzügliche Unterstützung liefert. Wer glaubt, Yes sei in erster Linie die Kombination aus Jon Andersons Gesang und Rick Wakemans Keyboards, der irrt sich gewaltig, denn Yes ist in erster Linie Chris Squires phänomenales Bassspiel! Die zweite Coverversion ist Stephen Stills' Everydays. Sie klingt nicht ganz so beeindruckend wie No Opportunity Necessary, aber die energiegeladenen Instrumentalpassagen in der Mitte fesseln mich einfach.
Trotz der niedrigen Bewertung empfehle ich dieses Album ohne Zögern zum Kauf. In nur ein paar Jahren würde Yes eine völlig andere Musik spielen… und natürlich würden sie nie wieder ein so naives, so helles und frohes Album veröffentlichen.
Fragile [1971]
Rick Wakeman, bekannt als der beste Sessionkeyboarder Englands, stieß nach The Yes Album zur Band und veränderte den Klang von Yes sofort zum Besseren. Er ist nicht nur ein deutlich begabterer Musiker als Tony Kaye, sondern beherrscht auch weit mehr verschiedene „Spielzeuge" wie Mellotron, Cembalo und so weiter – was den Bandsound erheblich bereicherte.
Das erste Album der neu formierten Yes, das 1971 erschien, trägt den stolzen Namen Fragile. Ehrlich gesagt: Nach dem ersten Hören (1996) hasste ich diese Platte einfach, aber in den folgenden neun Jahren ist sie in meiner Wertschätzung erheblich gestiegen und gehört heute zu meinen absoluten Lieblingsalben überhaupt. Diese Eigenschaft ist übrigens charakteristisch für einen Großteil guter progressiver Musik: Sie lässt sich schwer erschließen, aber wenn man einmal drin ist, beginnt eine wirklich große Liebe.
Interessanterweise enthält das Album neben drei „großen" Kompositionen einen kurzen Track (3:29) und fünf sehr kurze. Jeder dieser sehr kurzen Tracks wurde von einem anderen Bandmitglied geschrieben, um sozusagen seine Kunst zu „präsentieren". Abgesehen von Bill Bruford, dessen Beitrag am ehesten an, nun ja, bloßen Lärm erinnert, haben die Yes-Mitglieder die Aufgabe mit Auszeichnung gemeistert. Wakeman spielte ein bezauberndes Brahms-Stückchen (Cans and Brahms); Steve Howe schrieb ein wunderschönes akustisches Stück (Mood For A Day), das im Yes-Katalog seinesgleichen sucht; Jon Anderson steuerte das vokalklangreiche We Have Heaven bei; und Chris Squire… Chris bot den Hörern The Fish (Schindleria Praematurus) an, das ich persönlich für den besten Track des Albums halte. Es besteht aus sechs übereinandergelegten Basslinien, von denen jede einzeln hinreichend komplex und interessant ist, zusammen aber einen schlicht umwerfenden Effekt erzeugen – besonders in Kombination mit Brufords technisch makelloser Schlagzeugtechnik und Jon Andersons Gesang.
Ich bin jedoch sicher, dass die Yes-Musiker selbst die „großen" Kompositionen als das Herzstück des Albums betrachteten. Alle sind sehr, sehr gut. Der Opener Roundabout ist bemerkenswert, weil er gleichzeitig einfach genug für ein breites Publikum, schwer genug (hauptsächlich dank Squires Bass) und ungewöhnlich genug für Prog-Rock-Fans ist. Jeder Abschnitt ist für sich allein hervorragend, sodass man, falls einen die Basslinien nicht mitreißen, leicht Trost in Andersons Gesang findet – oder umgekehrt.
Das zweite „lange" Stück – South Side Of The Sky – lässt den Hörer ebenfalls nicht kalt. Der Text ist, offen gesagt, düster; die Hauptmelodie klingt bedrohlich; und Andersons „distanzierter" Gesang passt perfekt zu dieser finsteren Stimmung. In der Mitte von South Side Of The Sky erklingt ein absolut wunderbares Klaviersolo (danke, Wakeman!), das dem Song einen Großteil seiner Anziehungskraft verleiht.
Und schließlich der letzte, aber keineswegs unwichtigste Track des Albums – Heart Of The Sunrise – verdient allein aus zwei Gründen Aufmerksamkeit. Erstens ist er sehr lang (über 10 Minuten). Zweitens wurden hier die Fähigkeiten der neuen Yes-Besetzung in vollem Umfang unter Beweis gestellt. Die ersten drei Minuten dieses Songs lassen sich kurz als ein Aufeinanderprallen von Bass und Orgel beschreiben, in das gelegentlich die Gitarre eingreift, während Brufords Schlagzeug die passende angespannte Atmosphäre schafft. Nach dem Intro folgt der Hauptteil, der nichts mit dem Intro gemein hat – aber deswegen ist er nicht schlechter, ganz im Gegenteil! Phänomenale Basslinien, Howes atemberaubende Gitarre, Brufords makelloses Schlagzeugspiel, ungewöhnliche Effekte von Wakeman und Jon Anderson, der die Worte mit Leidenschaft – ja, mit Leidenschaft! – herausschreit: Was will man mehr?
Eine hervorragende Platte, eine der besten von Yes. Ich empfehle sie auch dann zu beachten, wenn man Art-Rock und Prog-Rock nicht mag, aber herausragendes Schlagzeug- und Bassspiel schätzt, denn zu diesem Zeitpunkt hatte Yes den besten Schlagzeuger und den besten Bassisten der Welt. Das ist mein Ernst.
Close To The Edge [1972]
Nach dem Erscheinen von Fragile wurde Yes von einem breiten Publikum als eine der führenden Prog-Rock-Bands anerkannt. Leider hatten sie zu diesem Zeitpunkt noch immer nicht getan, was jede selbst respektierende „progressive" Gruppe tun musste – nämlich eine Komposition geschrieben, die eine gesamte Schallplattenseite ausfüllt. Bedenken Sie: 1972 hatten Emerson, Lake & Palmer bereits Tarkus, Genesis Supper's Ready, King Crimson Lizard – ganz zu schweigen von Jethro Tull mit ihrem unsterblichen Meisterwerk Thick As A Brick. Verstehen Sie jetzt, warum Yes einfach etwas tun musste, um die Situation zu bereinigen?
Und sie taten es. Wie Sie sehen können, besteht Close To The Edge aus nur drei Stücken, von denen eines – das Titelstück – die gesamte erste Schallplattenseite ausfüllt. Diese Komposition unterscheidet sich zudem wesentlich von allen „langen" Songs anderer Bands. Nehmen wir Thick As A Brick als Beispiel: Allein der erste Teil besteht aus sechs (oder sieben, ich erinnere mich nicht mehr genau) Abschnitten, von denen jeder für sich ein abgeschlossenes Werk ist – man könnte Thick As A Brick also einfach in Stücke zerschneiden und sie einzeln hören. Dasselbe gilt für Tarkus, Lizard und Supper's Ready: Alle bestehen aus einzelnen Songs, die durch instrumentale Übergänge verbunden sind, die eine Illusion von Einheitlichkeit und Unteilbarkeit erzeugen.
Yes entschieden sich für einen völlig anderen Weg. Betrachten wir die allgemeine Struktur einer typischen Pop- oder Rockkomposition: Intro – Strophe – Refrain – Strophe – Instrumentaleinschub – Strophe – Refrain – Strophe – Coda. Da typische Pop- und Rockkompositionen in der Regel kurz sind, erhalten die in ihnen verwendeten Melodien minimale Entwicklung. Yes beschlossen, diese Struktur zu nehmen, auf 19 Minuten auszudehnen und die Themen von Close To The Edge mithilfe von Techniken aus der klassischen Musik maximal zu entwickeln. Ungewöhnlich, oder?
Es fällt nicht schwer zu erkennen, dass dieser Ansatz im Vergleich zum „traditionellen" eine Besonderheit aufweist. In einem konventionellen langen Song müssen nicht alle Bestandteile von gleich hoher Qualität sein: Da die einzelnen Abschnitte kurz sind, wird ein „schlechter" Teil bald durch einen „guten" ersetzt. In Kompositionen wie Close To The Edge ist jedoch die höchste Qualität der musikalischen Ideen eine conditio sine qua non: Wer würde einer uninteressanten Melodie zehn bis fünfzehn Minuten lang lauschen wollen?
Yes' Ehre sei es gesagt: Sie haben die selbst gestellte Aufgabe nicht nur gut, sondern glänzend gemeistert. Wie ich bereits in der Einleitung bemerkt habe, ist Yes eine Band von Virtuosen. Das ist bereits auf Fragile sehr deutlich zu erkennen, aber Close To The Edge ist meiner Meinung nach der Gipfel ihres Könnens als Ensemble. Auf dieser Aufnahme dominiert keines der Yes-Mitglieder die anderen (abgesehen von einzelnen Momenten, in denen Rick Wakeman Soli spielt); die Klänge der Instrumente verweben sich organisch zu einem einzigen musikalischen Gewebe. Und das ist, wie ich finde, wunderbar.
Close To The Edge (genauer: sein erster Abschnitt – The Solid Time of Change) begrüßt uns mit Naturgeräuschen: zwitschernde Vögel, ein nahe plätschernder Fluss, alles durchsetzt mit dem „atmosphärischen" Geklimper, das Wakeman aus seinem Synthesizer lockt. Sehr angenehm. Die Naturgeräusche werden immer lauter, bis Steve Howe schließlich mit seiner Gitarre einsetzt, die im Intro völlig anders klingt als erwartet. Chris Squires Arbeit ist wie immer tadellos, ebenso das aggressive Schlagzeugspiel von Bill Bruford. Das Intro dauert dreieinhalb Minuten, danach erscheint das „Hauptthema". Es basiert auf einer „aufsteigenden" Abfolge von Gitarrenriffs und wird von einer strukturell komplexen Basslinie getragen. Die Gesangsmelodie dieses Abschnitts ist ebenfalls teuflisch ungewöhnlich und dabei von seltener Anziehungskraft (selbst abgesehen von der Tatsache, dass Jon Anderson hier singt, als käme er von einem anderen Stern – ich finde das persönlich seltsamerweise fesselnd). The Solid Time of Change dauert etwa sechs Minuten und endet mit einer Reihe emotionaler Schreie: „Close to the edge, just by the river! Not right away, not right away!"
Relayer [1974]
Stopp. Wir alle wissen, dass auf Thick As A Brick die Katastrophe namens A Passion Play folgte. Leider blieb auch Yes ein ähnliches Schicksal nicht erspart, denn Tales From Topographic Oceans war ein ernsthafter Rückschritt gegenüber Close To The Edge. Dieses Album hassten alle: Kritiker, Hörer und sogar ein Bandmitglied – Rick Wakeman, der Yes unmittelbar nach der Welttournee 1973 verließ.
Damit endet die Parallele zwischen Yes und JT. Zum Glück, sage ich, denn während Jethro Tull – seien wir ehrlich – nie wieder das Niveau von Thick As A Brick erreichte, haben Yes ihre Fehler ernsthaft aufgearbeitet und ein Album veröffentlicht, das mindestens so gut war wie Close To The Edge.
Für die Arbeit an Relayer wurde anstelle von Rick Wakeman der in der Jazzrock-Welt bekannte Keyboarder Patrick Moraz verpflichtet. Er, wie seinerzeit Wakeman, hatte einen sofortigen und sehr deutlich spürbaren Einfluss auf den Klang der Band.
Strukturell ähnelt Relayer Close To The Edge: eine große Komposition auf der ersten Seite und zwei kürzere (neunminütige) auf der zweiten. Darüber hinaus haben die beiden Alben nichts gemein. Wenn CTTE den Hörer durch geschickte Entwicklung musikalischer Themen und klug gesetzte Akzente fesselte, erzielt Relayer seinen Effekt durch eine quasi-chaotische Anhäufung von Klängen: Es ist wohl die „turbulenteste" Schallplatte in der Geschichte der Rockmusik, zumindest gilt das für die erste Seite, auf der die Komposition The Gates of Delirium untergebracht ist.
Allerdings widmet sich dieses Stück einer gewaltigen Schlacht (so etwas wie einem Weltkrieg oder dem Ende der Welt), sodass die Turbulenz mehr als berechtigt ist. Der Hauptteil von The Gates of Delirium gliedert sich in drei große Abschnitte – vor der Schlacht, die Schlacht selbst und das, was danach folgte. Der erste Abschnitt beginnt recht friedlich, doch die Atmosphäre wird mit der Zeit immer angespannter. Chris Squires Bass beginnt unvermittelt bedrohlich zu klingen, während Patrick Moraz mit kosmischen Synthesizer-Klängen Öl ins Feuer gießt; der letzte Vers vor der Schlacht ist wie eine bis zum Zerreißen gespannte Saite.
Und dann, endlich, beginnt der Kampf. Genau hier zeigte sich Yes' Fähigkeit, weiträumige Klanggemälde zu erschaffen, in ihrer ganzen Pracht. Hier setzten Yes zum ersten Mal ein ungewöhnliches Mittel ein: Ein Instrument greift eine musikalische Phrase auf, die ein anderes begonnen hat. Es ist großartig!
Das Album schließt mit To Be Over – einer majestätischen Ballade, in der der Hörer gemeinsam mit der Band flussabwärts treibt. Vielleicht sind beide „kurzen" Stücke für sich genommen nicht außergewöhnlich, aber im Kontext des Albums sind sie schlicht grandios.
Was meinen Sie also: Welche Bewertung konnte ich einem Album geben, dessen größerer Teil schlicht makellos ist? Nur 10 von 10! Wenn Sie Relayer noch nicht gehört haben, wissen Sie einfach nicht, wozu Yes in den Siebzigern fähig waren.
Going For The One [1977]
In den drei Jahren seit Relayer hatte sich die Musikwelt verändert, sodass Yes sich wandeln musste, um zu überleben. Ehrlich gesagt, hat mich immer interessiert: Wie haben hartgesottene Yes-Fans Going For The One aufgenommen? Ohne eingefleischter Yes-Fan zu sein, empfand ich selbst echte Verwirrung, als ich diese Platte zum ersten Mal auflegte: Aus den Lautsprechern erklang… BOOGIE-WOOGIE! Boogie-Woogie gespielt von Yes – können Sie sich das vorstellen? Nach einem schwungvollen Intro bricht eine echte Klangwand über den Hörer herein: Chris Squire spielt wie immer phänomenal Bass, Alan White trommelt munter drauflos, Steve Howe streut von Zeit zu Zeit makellose Gitarrensoli ein, und der nach vierjähriger Pause zu Yes zurückgekehrte Rick Wakeman heizt mit seinen Synthesizern tüchtig ein. Der erste, titelgebende Song ist unglaublich gut. Sein Ende ist etwas gedehnt, aber der Refrain ist sehr ansteckend, und Jon Andersons Stimme steigt buchstäblich in den Himmel auf.
Eine weitere schnelle und relativ schwere Komposition – Parallels – ist vor allem deshalb bemerkenswert, weil eine Kirchenorgel als Leitinstrument eingesetzt wird. Rick Wakeman spielt sie in einem völlig unverwechselbaren, ausgelassenen Stil, und Howes „metallische" Gitarre vor diesem Hintergrund hinterlässt einen bleibenden Eindruck.
Auch die Balladen auf diesem Album sind recht fein. Turn Of The Century mit seinen acht Minuten mag gedehnt wirken (und ist ehrlich gesagt tatsächlich etwas zu lang), aber niemand könnte ihr erhabene Schönheit absprechen. Was Wonderous Stories betrifft, so gehört es zweifellos zu den besten „Pop"-Songs der Band: eine zarte Ballade mit einer klaren Melodie und herrlichem Gesang.
Und schließlich schließt das Album mit dem fünfzehnminütigen Awaken. Diesem Song gegenüber hege ich ambivalente Gefühle: Einerseits enthält er sehr, sehr gute Passagen (zum Beispiel das Klavierintro oder die majestätische Coda); andererseits lassen mich bestimmte Abschnitte im besten Fall völlig kalt, im schlimmsten Fall nerven sie mich schlicht. Insgesamt ist der Song solide, bleibt aber weit hinter dem Niveau von Siberian Khatru oder Sound Chaser zurück.
Zusammenfassend: Going For The One ist das letzte „klassische" Yes-Album. Diese Platte hielt zwei Wochen lang die Spitzenposition der Charts – vollkommen verdient. Solide 9 Punkte.
Tormato [1978]
Ich gestehe: Ich hatte von Tormato sehr viel erwartet, da Going For The One nicht nur ein gutes Album war – es war das einzige Yes-Album, das mich beim ersten Hören überzeugte. Ja, die Yes-Musiker, ermutigt durch den Erfolg von GFTE, beschlossen, die „Kommerzialisierung" und „Vereinfachung" ihrer Musik weiterzutreiben. Eines der Hauptzeichen dieser Vereinfachung ist die Anzahl der Kompositionen auf der Platte (ganze acht) und ihre Laufzeiten (meist 5–6 Minuten, wobei ein Song – Madrigal – unter drei Minuten dauert). Und genau diese Kürze macht das Album überhaupt erst anhörbar, denn die Qualität der dargebotenen Musik ist insgesamt äußerst zweifelhaft.
(Das Cover zeigt, falls Sie es nicht wissen, unter anderem eine zerquetschte Tomate; der Titel selbst ist ein Hybrid aus zwei Wörtern: torment [Qual] und tomato [Tomate]. Sehr symbolisch, nicht wahr?)
Wofür lieben wir Yes? Zum Beispiel für ihre unnachahmliche Fähigkeit, echte musikalische Landschaften zu erschaffen, durch die es unglaublich lohnend ist zu reisen. Auf Tormato gibt es davon nichts. Rick Wakeman hat sein Equipment-Arsenal offensichtlich erneuert, aber diese neumodischen „Werkzeuge" klingen plastisch und leblos. Wo ist die überwältigende Energie, die Alben wie Fragile, Close To The Edge, Relayer und Going For The One bis zum Rand füllt? Sie ist spurlos verschwunden!
Fairerweise muss man sagen, dass nicht alles so düster ist. Zwei Songs kann ich gut oder sogar sehr gut nennen: die liebliche akustische Ballade Madrigal, in der Rick Wakeman das Cembalo voll ausschöpft, und Onward – hier verdient einmal mehr Wakemans Spiel Lob, und Jon Anderson hat sich schlicht selbst übertroffen.
Dennoch ist Tormato noch immer weit, weit besser als das im selben Jahr erschienene Wind And Wuthering – und erst recht besser als A. Glauben Sie mir.
Drama [1980]
Kurz nach dem Erscheinen von Tormato beschloss Rick Wakeman, die Band erneut zu verlassen – diesmal in Begleitung von… Jon Anderson höchstpersönlich! Ich bezweifle, dass sich zu diesem Zeitpunkt jemand – außer Chris Squire, Steve Howe und Alan White – Yes ohne Jon Anderson vorstellen konnte. Jede andere Band hätte damit natürlich ihre Existenz beendet, aber nicht Yes.
1979 übernahmen Geoff Downs und Trevor Horn die vakanten Stellen des Keyboarders und des Sängers – und der Spaß begann! Downs und Horn hatten zuvor die Gruppe Buggles gebildet, die New Wave spielte.
Und dieser Einfluss wird von den allerersten Akkorden des 1980 erschienenen Albums Drama an deutlich. Noch nie waren Yes der Grenze, die „hohe Kunst" von „Kaugummi für die Massen" trennt, so nahe gekommen. Klanglich ähnelt Drama einer typischen Popplatte der späten Siebziger: Die Akustikgitarre ist praktisch verschwunden, während die elektrische recht gewöhnlich klingt; der Keyboarder setzt stark auf tanzbare Rhythmen und weckt Nostalgie nach Wakemans klassischer Technik. Doch die Songs selbst sind weit interessanter konstruiert und erfüllen ihre Hauptfunktion – den Hörer zu unterhalten – weit besser als auf Tormato!
Das Album eröffnet mit Machine Messiah, dessen Anfang – mit seinem „kosmischen" Synthesizersummen und typisch heavy-metallischer Gitarre – zunächst etwas beunruhigend wirkt, sich jedoch zu einem sehr unterhaltsamen Song entwickelt. Auf Machine Messiah folgt White Car – der kürzeste und zugleich beste (!) Track des Albums. Die nächsten drei Songs klingen wie adaptierte Versionen von The-Police-Hits… nur dass Trevor Horns Gesang nicht an Sting, sondern an Jon Anderson erinnert. Progressive Tanzmusik – wie gefällt Ihnen das? Und der letzte Song – Tempus Fugit – ist eine klassische, hundertprozentige „Yes-typische" Komposition.
Zusammenfassend: ein ordentliches Album, das allerdings allem bisher Gehörten der Band unähnlich ist. Das Cover ist ebenfalls sehr schön. 8 Punkte.